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35 años: The Queen is Dead – THE SMITHS

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The Queen Is Dead es el tercer álbum de estudio de The Smiths. Fué publicado el 16 de junio de 1986 en el Reino Unido por Rough Trade Records, y el 23 de junio de 1986 en los Estados Unidos por Sire Records. El guitarrista Johnny Marr escribió la música de varias canciones que aparecieron en The Queen Is Dead mientras los Smiths realizaban una gira por Gran Bretaña a principios de 1985, trabajando en arreglos con el bajista Andy Rourke y el baterista Mike Joyce durante las pruebas de sonido. Marr estuvo fuertemente influenciado por los Stooges, Velvet Underground y la escena del garage rock de Detroit mientras elaboraba el álbum.

El álbum fue producido por Morrissey y Marr, trabajando predominantemente con el ingeniero Stephen Street, quien había diseñado el álbum de 1985 de la banda, Meat Is Murder. La primera canción del álbum que se grabó, en julio de 1985, fue «The Boy with the Thorn in His Side». La grabación, realizada con el ingeniero Stephen Street en un pequeño estudio en Manchester e inicialmente pensada como demo, fue considerada por la banda como lo suficientemente buena para lanzarla como single. Salió a la venta el 16 de septiembre de 1985. «The Queen Is Dead» fue una de las últimas canciones que se grabaron. Su bucle de tom-tom distintivo fue creado por Mike Joyce y Stephen Street utilizando un sampler. Marr tocó una línea de retroalimentación de guitarra a través de un pedal wah-wah a lo largo de la canción.

THE SMITHS: Andy Rourke, Morrissey, Johnny Marr y Mike Joyce.

La canción «The Boy with the Thorn in His Side» era, según Marr, «una pieza musical sin esfuerzo». La letra de la canción se refiere alegóricamente a la experiencia de la banda en la industria musical. que no supo apreciarlo. En 2003, Morrissey la nombró su canción favorita de los Smiths.

En junio de 2017, un año después del 30 aniversario del álbum, los Smiths relanzaron una versión más larga y editada previamente de «The Queen Is Dead» en vinilo con otras canciones de Smiths: «Oscillate Wildly», «Money Changes Everything» y » El tren Draize ”que sirve como lados B. La banda también lanzó un sencillo de 7 «que contiene» The Queen is Dead «y» I Keep Mine Hidden «.

50 años: Tarkus – EMERSON, LAKE & PALMER

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El 14 de Junio de 1971 el trío Emerson, Lake & Palmer publicó su segundo disco: “Tarkus”. Personalmente, con esta banda me pasaba lo mismo que con King Crimson: Me costaba bastante esfuerzo reconocer los temas pero me mantenía entretenido escuchando el disco 2 o 3 veces por día en la primera semana de haberlo comprado. Las influencias clásicas son evidentes: El tema 3 de la cara B, “The Only Way”, es un ensamble de dos versiones de piezas de Johann Sebastian Bach, la Toccata y fuga en fa mayor y el Preludio n.º 6 en re menor, la cual desemboca en un ostinato en compás de 7 pulsos que es la canción 4: “Infinite Space”.

William Neal hizo la portada del álbum. La imagen de un armadillo gigante en las huellas de un tanque se ha convertido en una imagen icónica en el rock progresivo. Emerson dijo: «Para todos, representaba lo que estábamos haciendo en ese estudio. Al día siguiente, mientras conducía desde Sussex, las imágenes del armadillo seguían golpeándome. Tenía que tener un nombre. Algo gutural. Tenía que empezar con la letra «T» y terminan con una floritura. Tarka la Nutria puede haber aparecido, pero este armadillo necesitaba un nombre de ciencia ficción que representara la teoría de la evolución de Charles Darwin al revés. Alguna mutilación de la especie causada por la radiación… ¡Tarkus! «.

El pliego de cartulina presenta once paneles que ilustran los eventos de «Tarkus». Comienza con un volcán en erupción, debajo del cual Tarkus emerge de un huevo. Tarkus se enfrenta a una serie de criaturas cibernéticas, que culminan en una batalla contra la mantícora. La manticora pica el ojo de Tarkus, y Tarkus se retira sangrando a un río.

En 1993, el álbum fue remasterizado digitalmente por Joseph M. Palmaccio y lanzado por Victory Music en Europa y Rhino Records en Norteamérica. A esto le siguieron dos remasterizaciones del Mobile Fidelity Sound Lab en 1994 que actualmente están agotadas. En agosto de 2012, Tarkus fue reeditado por Sony Music y lanzado en un paquete de 3 CD, que contenía una mezcla estéreo de la cinta master de Palmaccio, una mezcla estéreo en forma de una versión alternativa del álbum y una mezcla de sonido envolvente 5.1 de Steven Wilson. El combo también contiene pistas inéditas grabadas durante las sesiones.

65 años: Be-bop-a-lula – GENE VINCENT

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«Be-Bop-a-Lula» es una canción de rockabilly grabada por primera vez en 1956 por Gene Vincent and His Blue Caps. Fue lanzada el 6 de junio de 1956 en el sencillo catalogado como F3450 de Capitol Records. La autoría de la canción se atribuye a Gene Vincent y su manager, Bill «Sheriff Tex» Davis. Aparentemente la canción se originó en 1955, cuando Vincent se estaba recuperando de un accidente de motocicleta en el Hospital Naval de Estados Unidos en Portsmouth, Virginia. Allí conoció a Donald Graves, quien supuestamente escribió la letra de la canción mientras Vincent escribía la melodía.

La frase «Be-Bop-a-Lula» es similar a «Be-Baba-Leba», el título del tercer éxito de las listas de R&B para Helen Humes en 1945, que se convirtió en un éxito mayor cuando Lionel Hampton lo registró como «Hey! Ba-Ba-Re-Bop «. Esta frase, o algo muy similar, fue muy utilizada en los círculos del jazz en la década de 1940, dando su nombre al estilo bebop, y posiblemente derivando en última instancia del grito de «¡Arriba! ¡Arriba!» utilizado por los directores de orquesta latinoamericanos para animar a los miembros de la banda.

A principios de 1956, Gene Vincent interpretó la canción en un programa de radio en Norfolk, Virginia, y grabó una versión demo que pasó a Capitol Records, que buscaba un cantante joven que rivalizara con Elvis Presley. Capitol invitó a Vincent a grabar la canción y se grabó en el estudio de Owen Bradley en Nashville, Tennessee el 4 de mayo de 1956. Cliff Gallup (guitarra principal), «Wee» Willie Williams (guitarra rítmica), «Jumpin'» Jack Neal (bajo) y Dickie «Be Bop» Harrell (batería) formaron la banda. Cuando se estaba grabando la canción, Harrell gritó dos veces de fondo, porque -según dijo después- quería asegurarse de que su familia pudiera escuchar que era él en el disco.